In der letzten Kinovorführung, der man beiwohnt, gibt es nur einen Sitzplatz. Der Film ist hastig zusammengeschnitten, im Zeitraffer laufen vor dem „inneren Auge“ eines Sterbenden Momente seines Lebens noch einmal ab, heißt es. „Lebensbilderschau“ nannten Wissenschaftler dieses Phänomen in der Vergangenheit. Der aktuelle Stand der neurophysiologischen Forschung zum dem Sujet ist mir nicht bekannt.

Der amerikanische Schriftsteller Billy Collins, der mit seiner Hommage auf das Rauchen dem Schnitter selbst schon unter die Arme griff, fasste dieses Nahtoderlebnis in „The Art of Drowning“ 1995 in Verse: Einen Ertrinkenden überkommt das Bedauern, weil er statt des blitzartigen Erinnerungsrausches unter Wasser doch mehr Werk vom Leben erwartet hatte. Dem zufällig vorbeischwimmenden Fisch, einziger Zeuge seiner Zuckungen, juckt dieses Bedürfnis nach Ewigkeit mittels Kunst nicht an der Flosse.

How about a short animated film, a slide presentation?
Your life expressed in an essay, or in one model photograph?
Wouldn’t any form be better than this sudden flash?

Ihm kann doch noch geholfen werden. Für eine Video-Animation als Nachlass dieses Unglücklichen hat Diego Maclean 2009 gesorgt. Seine Verfilmung des Gedichts wurde seitdem auf vielen Festivals von Edinburgh bis Sundance präsentiert, wie Maclean stolz auf seiner Website berichtet. Sie ist gelungen, wie ich finde. (Weniger hübsch ist, dass YouTube offensichtlich auch bei manchen extern eingebundenen Videos auf einmal Google Ads einblendet.)

Seltsam, aber so steht es geschrieben: Dass Technik ebenfalls die Nahtoderfahrung kennt, habe ich schon einmal bewiesen: „Auch Kameras müssen sterben“.

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Der Horror der Familie: „Iss deine Suppe, Junge, sonst schluckt dich der Teller!“ Und als Hauptgericht werden dem armen Kleinen Papas Augen gereicht, knackig in der Pfanne gebraten. Der Schrecken dieses Essens im Kreis der Lieben zu Hause kommt nicht an das unheimliche Hähnchen-Mahl in David Lynchs „Eraserhead“ (1977) heran (und lange nicht an das Psychodrama, das sich um den Sonntagsbraten im durchschnittlichen Eigenheim entfalten kann), aber dem amerikanischen Regisseur scheint das Musikvideo gefallen zu haben: Er hat es zum besten Beitrag eines Wettbewerbs erkoren, in dem es darum ging, seinen Song „Good Day Today“ mit einem Clip auszustatten. Gedreht wurde er von Arnold de Parscau.

Die Kälte der Stadt: Musikalisch interessanter als der müde Elektropop von „Good Day Today“ erscheint mir „I Know“, Song Nummer zwei, für den David Lynch ein Video suchte (und wie jener November 2010 beim britischen Label Sunday Best Recordings erschienen). Tamar Drachli heißt die Regisseurin der kaputten Liebesgeschichte, in der ein Slacker seine Affäre mittels Fernbedienung manipuliert und plagt, als verginge er sich an einer Voodoo-Puppe … Entfremdung, Großstadt-Dschungel, Glamour und Grausamkeit, die Codes sind bekannt, Film ab.

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Technik und Arbeit, Maschinen und Muskelkraft, der Fortbewegung sind keine Grenzen gesetzt. Auch der Zuschauer von „Snow“ (1963) soll mitgenommen werden. Die immer schneller werdende Schnittfolge des Kurzfilms hetzt einem instrumentalen Sound hinterher, der an kalifornische Surf Music denken lässt. Doch hier geht es nicht darum, über die Wellen zu gleiten – der Natur wird kompromisslos beigebracht, was eine Gerade ist. Schneemassen? Nichts, was die British Railways aufhalten könnte.

Anfang der 60er-Jahre, als Geoffrey Jones diese preisgekrönte Dokumentation für die Produktionsfirma British Transport Films drehte, rang die staatliche Eisenbahngesellschaft Großbritanniens tatsächlich um ihre Zukunft. Modernisierung hieß Rationalisierung, unrentable Strecken wurden stillgelegt. Und die Dampflokomotive, die in „Snow“ noch kraftvoll durch meterhohen Schnee pflügt, wurde aufs Abstellgleis umgeleitet. Diesel sollte den Wasserdampf ersetzen. Grund genug für die Briten, mit solchen Filmen ein wenig Werbung zu machen und an bessere Zeiten zu erinnern.

Eine Image-Kampagne hat auch die Deutsche Bahn nötig. Schon der vorige Winter brachte eine endlose Serie von Pannen. Dass es diesmal besser wird, zeichnet sich nicht ab. Vergangenen Donnerstag geriet ich selbst ins sogenannte Schnee-Chaos. Der ICE aus Berlin in Richtung München kam ab Leipzig nicht mehr durch, er nahm einen Kurs, der wie eine Irrfahrt wirkte. Meine Mitreisenden reagierten ausnahmslos gelassen auf die drei Stunden Verspätung, kein Choleriker regte sich über das auf, was im Augenblick eh nicht zu ändern war. Ihnen widme ich dieses Video.

Während in den USA selbst die Vorbereitung auf einen Atomkrieg lustig rüberkommen kann (siehe: „Duck and Cover“), machen die Briten bei Warn‑ und Krisenschutz-Sendungen im Auftrag der Regierung keine Faxen. Da wird effektvoll Angst produziert. Etwa in „Fire Prevention: Searching“ (1974). Der Spot inszeniert mit der subjektiven Kameraführung die Wahrnehmung einer Mutter oder eines Vaters bei der Durchsuchung eines vollkommen ausgebrannten Hauses.

Aus dem Off schrillen währenddessen die Stimmen ihrer vernachlässigten Kinder, geisterhafte Schreie, Hilferufe mit psychedelischem Halleffekt – was so klingt, als hätten die Priester in „Exorzist“ (1973) Linda Blair zur Austreibung des Dämons LSD auf die Hostie geträufelt. Horror. Selbst wenn man keinen Nachwuchs hat, fühlt man sich hinterher schuldig in jeder Sekunde, in der man seine Zigarette unbeaufsichtigt im Aschenbecher glimmen lässt. (Der Küchenherd wird ab jetzt vor Verlassen der Wohnung mehrmals kontrolliert, das Bügeleisen sowieso.)

Gedreht hat den Brandschutz-Spot John Krish. Laut dem British Film Institute, das das Video aus dem Archiv geholt und ins Netz gestellt hat, bekam der Regisseur dafür einen Goldenen Löwen in Venedig.

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Pünktlich zum Start von Tim Burtons "Alice in Wonderland" (IMDb) in Londoner Kinos hat das British Film Institute die erste Verfilmung von Lewis Carrolls Kinderbuch ins Netz gestellt. Das Werk der Regisseure Cecil Hepworth und Percy Stow war ursprünglich zwölf Minuten lang, von dem stark beschädigten 35-Millimeter-Material konnten nur acht Minuten restauriert werden.

1903, als "Alice in Wonderland" (YouTube-Direktlink) gezeigt wurde, waren seit der ersten Filmvorführung überhaupt gerade mal acht Jahre vergangen. Wie auf Screenonline zu lesen ist, war "Alice" damals nicht in voller Länge, sondern nur in Ausschnitten zu sehen, sozusagen als Nummer in einer Revue. Das Publikum bekam eine bunte Mischung verschiedener Themen vorgesetzt. Dass Bilder sich auf der Leinwand bewegten, war faszinierend genug. Außerdem wurden kurze Stummfilm-Sequenzen neben Auftritten von Musikern und Akrobaten ins Varieté-Programm aufgenommen.

Der Tricktechnik zum Trotz: Die Grinsekatze grinst nicht

"Alice in Wonderland" wirkt deshalb episodenhaft. Die einzelnen Szenen sind zum Teil um Filmtricks herum aufgebaut, die allein den Inhalt bilden (was gar nicht so weit vom heutigen Special-Effects-Kino entfernt ist). Der Zuschauer, der die literarische Vorlage nicht kannte, konnte sich zumindest am Spektakel erfreuen. Wie Alice schrumpft und dann zur Riesin wächst, ist tatsächlich gut gelungen. Ich hätte gern die Gesichter der Leute gesehen, die zum ersten Mal solche Leinwand-Tricks vor Augen hatten: Willkommen im Wunderland!

Als Vorbild für den Film dienten die Original-Illustrationen von John Tenniel für die Buchausgabe von 1865. (Tenniel hat auch politische Karikaturen für Zeitungen gezeichnet. Am bekanntesten in Deutschland ist die vom Rücktritt Bismarcks als Reichkanzler: "Der Lotse geht von Bord".)

Die gute alte Zeichnung zeigt sich in einer Hinsicht dem Medium Film in seinem damaligen technischen Stand überlegen. Die Tricktechnik schaffte es zwar, die Grinsekatze ins Bild zu zaubern.

Aber vom Grinsen hält der fette Kater, der die Rolle der Chesire Cat übernommen hat, eher weniger. Vielleicht stand davon nichts in seinem Vertrag.

„Die Landschaft von Inland Empire ist eine öde Brache, wo man nur leere Häuser vorfindet und Geister des amerikanischen Traums“, schreibt Lauren Greenfield im Text zu ihrem Video „Foreclosure: Death of the American Dream“. Die Beschreibung könnte auf den Film von David Lynch zutreffen, aber er hat den Namen seines Psychodramas von 2006 einer Region im Süden Kaliforniens entliehen, die tatsächlich so genannt wird (gedreht hat er nicht dort, sondern hauptsächlich in Polen, das sich zum Niedriglohnland für Kinoproduktionen entwickelt hat).

Im Unterschied zum Werk des US-Regisseurs, der Krisenstimmungen gern mystifiziert darstellt, zeigt sich im realen Inland Empire der wirtschaftliche Abschwung eher „banal“: Arbeitslosigkeit, Verschuldung, Zwangsvollstreckung.

Inland Empire liegt östlich von Los Angeles und ist geprägt von einer wilden Zersiedelung des ehemals vor allem landwirtschaftlich genutzten Gebiets. Viele aus der Großstadt fortgezogene Hausbesitzer, die sich in diesem amorphen, endlosen Suburb in den vergangenen Jahren ihren Traum vom Eigenheim auf Kredit finanzierten, sind nun vom Rauswurf bedroht. Manche landen von einem Tag auf den anderen auf der Straße.

Die Fotojournalistin und Dokumentarfilmerin Greenfield hat ihre Aufnahmen von den Opfern der Immobilienkrise zu einer Mischform aus Audio-Slideshow und gefilmten Interviews montiert. Einige Bilder, gerade von den leer geräumten Häusern und den verlassenen Swimmingpools, finde ich ästhetisch so ansprechend, dass ich beim zweiten Durchlauf das Video öfters mal stoppen musste.

Ein „guilty pleasure“: Wenn Profis am Werk sind, sieht eben auch das Elend anderer Leute sehr gut aus. Darin zumindest sind sich das echte Inland Empire und Lynchs Kino-Fiktion ähnlich.

Via Duckrabbit.

Gewalt, die gut aussieht: das Musikvideo von Rhett Dashwood zum Song „Black Bones“ von Teenagers in Tokyo, eben gefunden bei Fette. Moment mal: Teenagers, Tokyo! Der Name der australischen Band klingt so derartig nach dem verzweifelten Versuch, ein global vermarktbares Produkt zu designen, dass man ihn nur lustig finden kann. Vielleicht ist er auch nur ein ironischer Wink. Oder beides. (Für das PR-Kunststück, Verwertbarkeit auf einem Massenmarkt und das Versprechen eines Distinktionsgewinns durch Ironie in dieselbe enge Jeans zu zwängen, wurde ja das Label „Hipster“ reanimiert). Der Postpunk-Sound der Gruppe, nach Jahren des Recyclings kein Geniestreich, passt als Hymne aber ganz gut zum kurzen Video über das Töten.

„This is a place where nobody goes“, die Zeile aus dem Songtext, die ich verstehe, führt in Kombination mit den Bildern allerdings in die Irre. Der Schauplatz, wo sich das Drama abspielt, mag zwar eine nutzlose, undefinierte Brache sein, nicht mehr Stadt, noch nicht Land – aus Filmen und TV-Serien ist er aber wohlbekannt. Dort drängt sich der Schrecken, vom Personal des Verbrechens ist er überbevölkert.

Drogen-Deals werden in dieser Randzone rund um die Uhr abgewickelt, massenhaft Leichen verscharrt, Bösewichter und V-Männer treffen sich stoßweise zum Rendezvous. Und leerstehende Fabrik‑ oder Lagerhallen sind meist ausgebucht – Shootouts nur nach fristgerechter Anmeldung! (Für Jack Bauer, der’s meist eilig hat, wird aber schon mal eine Ausnahme gemacht.)

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Der Besuch in der Videothek zeigt: Alles geht weiter, Serienmörder morden weiter in Serie, Models stöckeln unermüdlich über den Laufsteg, mit einem finsteren Geheimnis hinter der Schminke. Auftragskiller entpuppen sich von Mal zu Mal als komplexe, fast schon charismatische Charaktere; die fiesesten Verbrecher sind sowieso immer verkannte Genies. Bruce Willis ist schon wieder am Ende, geschieden, unrasiert und im Feinripp-Unterhemd. Und massenhaft Verschwörungen sind im Gang, ein Wunder, dass die sich nicht gegenseitig in die Quere kommen (Templer und Geheimbünde sind eben verschwiegen um die Wette). In Folterkellern wird weiterhin hart geschuftet – die Teenager, die dort einer nach dem anderen zu Hackfleisch verarbeitet werden, stammen aus der Casting-Massenabfertigung. Ausnahmslos jeder nerdige Außenseiter an der Highschool ist in Wahrheit ein Superheld, Vampir, Zauberer oder hat zumindest ein Dimensionstor entdeckt. Und Koffer voller Drogen oder Geld wandern ohne Pause durch Drehbücher, die in ein, zwei SMS Platz hätten.

Das sei eben Popcorn-Kino, sagen die Verfechter der abgedroschenen Unterhaltung, love it or leave it. Dennoch: Die Wand anzuschauen bereitet gelegentlich mehr Vergnügen.

Nach ratlosem Stöbern durch die Trash-Videothek um die Ecke (eine von denen, wo die Titel anscheinend nach der Schuhgröße der Regieassistenten sortiert sind) habe ich folgende Plots noch nicht gedrehter cineastischer Meisterwerke ins Notebook gehackt: Es ist eine Collage aus all dem Schrott von Mystery bis Crime, der vom Lesen der Filmbeschreibungen in meiner Erinnerung hängen geblieben ist.

Das verfluchte Geheimnis der 100 Jünger

Bei Ausgrabungen in Rom wird in einem bisher unbekannten Trakt der Christen-Katakomben ein Wandreflief entdeckt. Es berichtet von Jesus von Nazareth und seinen 100 Jünger – was für ein Schock! Der noch größer wird, als sich herausstellt, dass 88 davon Opfer eines antiken Serienmörders wurden. Bizarr ist außerdem: Ein Killer in der Gegenwart scheint seinen Kollegen von damals nachzuahmen. Oder hat dieser etwa 2000 Jahre versteckt in der vatikanischen Bibliothek überlebt? Ein Ex-Cop, seit seiner Scheidung versoffen und im Glauben schwankend, nimmt auf eigene Faust die Ermittlung auf. Was für ein Zufall, dass der geleckte Mafiosi, der ihm seine Frau, ein Model, weggeschnappt hat, seine schmutzigen Finger mit im Spiel hat!

Der Serienkiller aus der Metaebene

Ein Serienkiller killt Serienkiller – in Serie, versteht sich. Doch dann legt sich der Mann, ein genialer Alkoholiker und Ex-Bulle, in Los Angeles mit einem Geheimorden an, mit dem nicht zu spaßen ist. Der Jäger wird zum Gejagten. Seine Flucht führt auch durch eine Hardrock-Disco, wo er eine Gogo-Tänzerin – vor ihrer Scheidung und anschließender Drogensucht ein Topmodel – dazu zwingt, ihn im Auto durch die Stadt zu kutschieren. Da sie sich unsterblich und von Herzen in ihn verliebt, obwohl er sie fesselt, verprügelt und mit der Waffe bedroht, sieht er schließlich seine Fehler ein und schwört sich, nie mehr zu morden. Allerdings sind davor noch die 23 Kapuzenmänner des Ordens unter die Erde zu bringen.

Der Tod kommt per SMS

Die Vorstände eines Kommunikationskonzerns werden der Reihe nach auf die gleiche Weise ermordet (bestialisch natürlich). Ein Hacker – ein verkanntes Genie, das bei Frauen nicht gut ankommt, vor allem nicht bei dem Model, das seine Pizzen liefert – findet heraus: Sie alle waren Teilnehmer der Testphase des T9-Systems bei der SMS-Eingabe, in die eine seit der Antike aktive Geheimgesellschaft per Virus den wahren Namen des Verräters von Jesus Christus eingeschmuggelt hatte. (Dann folgen etwa 70 Minuten Verfolgungsjagden.) Spannend bleibt bis zuletzt, ob der Geek die Frau bekommt. Denn die hat sich auch vom bitterbösen Chef des Mordkomplotts umgarnen lassen, einem arbeitslosen Priester, der nach seiner Scheidung vom Glauben zum EDV-Kaufmann umgeschult wurde.

Hatschi – der Inside Job

Rückblende, Sommer 2001: Unser Held, ein Psychologie-Professor, ist seit seiner Trennung ein Wrack. Und so glaubt ihm niemand, als er auf einer Konferenz behauptet, Schnupfen und Krieg hätten dieselbe Ursache und er habe ein Heilmittel gefunden. Verbittert zieht er sich in seine Zweizimmerwohnung im World Trade Center zurück. Dort häufen sich bald Morde (selbstverständlich bestialisch) an älteren Herren, die ihm ähnlich sehen. Voll Todesangst ruft er bei seiner Exfrau, einem Model, an – denn die ist mittlerweile mit einem Berater des US-Präsidenten liiert, von dem er sich Hilfe verspricht. Sie ist zunächst genervt, doch Tage später entdeckt sie streng geheime Regierungsunterlagen, die ihr Liebhaber sorglos hat liegen lassen. In denen steht (auf Seite 23), Krieg und Schnupfen seien gut für den Kapitalismus. Da keimt in ihr ein fürchterlicher Verdacht – kann sie ihren Exgatten noch retten, bevor in den Twin-Towers die Sprengladungen des CIA hochgehen, die ihn und seine Formel vernichten sollen?

Foto: Roush images (cc)

Für Freunde des Hau-drauf-Kinos: meine kleine Hommage auf den Action-Helden der 80er-Jahre.

In diesen Filmsequenzen hätten die Macher von „2012“ mehr wagen können: Der Betrachterstandpunkt bleibt eindeutig, als Zuschauer weiß man immer, wo oben und unten ist. Man behält sozusagen den Boden unter den Füßen, während auf der Leinwand eine Welt zerfetzt und durcheinandergewirbelt wird.

Wie man den apokalyptischen Umsturz visuell umsetzen kann, lässt sich etwa bei „Poseidon Inferno“ (Trailer) beobachten. 1972 hat der Spielfilm die Welle von tricktechnisch hochgerüsteten Katastrophen-Spektakeln der 70er-Jahre ins Rollen gebracht. (Dass die Stühle und Tische nach dem Umkippen des Luxuskreuzers wie festgenagelt an der Decke hängen bleiben, während die Passagiere in die Tiefe stürzen, ist natürlich ein Ausrutscher voll unfreiwilliger Komik.)

Beängstigend wirkt „2012“ bei aller Weltuntergangsstimmung nicht. Georg Seeßlen schreibt zu Recht in seiner Filmkritik, „es sieht vielmehr so aus, als würde der Zehnjährige seine Modelleisenbahn oder sein Legoland kaputtmachen, um sich anschließend in einem Computerspiel zu verlieren“. Steven Spielbergs Neuverfilmung von „Krieg der Welten“ (2005) hat da neben den Special Effects atmosphärisch viel mehr zu bieten.

Was Emmerichs Spektakel außerdem nicht schafft: mich über längere Zeit für die Charaktere zu interessieren. Nach spätestens eineinhalb Stunden der 158 Minuten langen Zerstörungsorgie, in denen sie eine gefährliche Situation nach der anderen knapp überstanden hatten, wurden sie mir egal. Ihren Überlebenskampf verfolgte ich danach aus einer eher klinischen, analytischen Distanz .

Dass der Film auf der Seite der Identifikation versagt, wenig Einstiegsmöglichkeiten für die Empathie der Zuschauer bietet, war den Machern wohl bewusst. Darum verdichteten sie das Emotionale in sehr kurzen Szenen, die das eigentlich Obszöne an diesem „disaster porn movie“ darstellen. Die Tränen, die den Figuren blitzschnell und üppig aus den Augen schießen und über die Gesichter fließen, wenn sie mal wieder eine bestürzende Nachricht vom Tod einer geliebten Person erhalten, wirken nicht nur melodramatisch „unecht“ oder „überzogen“, sie lassen mich an Ejakulat denken: Affekte als Money-Shots einer Gefühlspornografie.

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• 1992, nein, 2012 kommt der Weltuntergang

Auf die Kalender amerikanischer Ureinwohner bin ich nicht so gut zu sprechen. Ende der 70er-Jahre wurde ich als junger Mensch darauf vorbereitet, dass die Welt 1992 untergeht: Die Endzeit war angebrochen, ich hatte noch etwas mehr als ein Jahrzehnt zu leben – so stand es zumindest in einem Buch über Indianer-Prophezeiungen, das meiner Großtante in die Hände gekommen war. Leidenschaftlich berichtete sie mir vom nahenden Ende. Die Dame war äußerst lebenslustig, pflegte aber als Hobby einen Hang zum Düsteren und Übersinnlichen. In ihrem Bücherschrank fand sich alles, was vielen Leuten den Verstand vernebelt: mittelalterliche Zauberbücher, Nostradamus, Parapsychologie, Psi, Leben nach dem Tod, Erich von Däniken.

Die Werke von Däniken habe ich mir damals besonders gern von ihr ausgeliehen, waren sie doch eine Art Vorläufer zu Mystery‑ und „Indiana Jones“-Filmen: voll mit unbeugsamen Forschern, die von der Wissenschaftler-Community ignoriert und verlacht werden, verschollenen Städten im Urwald, geheimnisvollen Schriften, die von der Redaktion der Bibel herausgekürzt worden waren, und einem unausgesprochenen riesigen Vertrauen in die Überlegenheit der westlichen Zivilisation, das fantasielose Spaßbremsen, die keine Anhänger der Präastronautik sind, als Rassismus auslegen könnten (denn Fans dieser Pseudowissenschaft glauben zwar alles Mögliche, aber nicht, dass nicht europäische Gesellschaften in vorgeschichtlicher Zeit ohne Entwicklungshilfe von Außerirdischen irgendwelche Baudenkmäler hinbekommen hätten).

Mit Schwingungen in die Endzeit: Apokalypse 2012

Ich weiß heute nicht mehr, aus welcher Überlieferung die Visionen vom Weltuntergang stammten, mit der mir meine Großtante Angst eingejagt hatte, aber 1992 muss man als Termin jedenfalls als widerlegt betrachten. Dafür steht als Nächstes 2012 an. Dann jährt sich nicht nur der Untergang der „Titanic“ zum 100. Mal, eine Flut von Veröffentlichungen auf dem Esoterik-Markt beschwört außerdem den Anbruch einer „Wendezeit“, eines „Goldenen Zeitalters“ oder gar eines „Dimensionswechsels“.

2012 könnten laut Däniken die außerirdischen „Götter“ zurück auf die Erde kommen.
Wenn wir bis dahin ihren Skulpturenpark auf der Osterinsel nicht aufgeräumt haben,
gibt’s vermutlich Saures mit der Strahlenkanone. Foto: Brad Stabler (cc)

Den Stichtag für die Apokalypse lesen deren Verfasser aus dem Ende eines Zyklus im Kalendersystem der Maya heraus. „An das Jahr 2012 knüpfen Esoteriker eine Heilserwartung, sie rechnen mit einer neuen Ära des Lichts, der Schwingungen oder der Kristalle, da hat jede Gruppe ihre eigene Metapher“, sagte der Maya-Forscher Nikolai Grube in einem Interview der „Zeit“. Andere sind pessimistisch und erwarten eine Katastrophe.

Dass das Thema viele bewegt, kann man schon an der Zahl von Reaktionen auf einen Beitrag des Astronomen Florian Freistetter auf ScienceBlogs erkennen. Zu „Kein Weltuntergang am 21.12.2012“ haben sich mittlerweile über 1600 Kommentare angesammelt. Freistetter hat 2008 auch einen Däniken-Vortrag besucht und in seinem Blog auseinandergenommen, in dem ging es – o Wunder! – ebenfalls um 2012, das Jahr, in dem sich die Aliens mal wieder blicken lassen sollen.

Ein Katastrophenfilm zur Esoterik-Welle

Vielleicht ist Roland Emmerich ebenfalls mit Spukgeschichten aus der Fantasie jener aufgewachsen, denen die Moderne und ihre Wissenschaften als zu kalt und trostlos erscheinen. Den Bücherschrank meiner Großtante hat er jedenfalls in Teilen vergolden können. Mit „Stargate“ hat der Regisseur 1994 die Präastronautik als Aufhänger für einen Science-Fiction-Film gewinnbringend auf die Leinwand gebracht. Sein gerade angelaufener Katastrophenfilm lockt mit dem Titel „2012“ auch die Freunde der Esoterik und Pseudowissenschaft ins Kino – hält sich nicht lange mit angeblichen Weissagungen der Maya auf. Also nur Etikettenschwindel aus Gründen der Werbung, Bluff und Betrug? Das dürfte für die Betroffenen nichts Unbekanntes sein.

Gemeinsam mit meiner Großtante hätte ich mir zu ihren Lebzeiten Emmerichs Special-Effects-Inferno übrigens nicht anschauen können. Sie hatte schon bei jedem Gewitter eine Heidenangst.

Bild-Credit: Der Cartoon von der Wiederkehr des
Maya-Gottes Quetzalcoatl stammt von Labguest (cc)

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