Ein Fundstück: Sara Ludy – „Niodrara“ (2010). Auf der Website der Musikerin und Multimedia-Künstlerin, die in Los Angeles lebt, sind noch mehr ihrer Videos zu sehen.
Via: Autodespair.

Robert Henri: „Snow in New York“ (Wikimedia)

In Berlin fahren zwar eher selten Pferdewagen durch die Gegend, und Schnee liegt noch nicht, aber das vor über 100 Jahren gemalte Bild „Snow in New York“ des amerikanischen Künstlers Robert Henri bringt die Tristesse, die sich vergangene Woche über die Stadt gelegt hat, gut zum Ausdruck.

Grauer und diesiger als dieser Dezember sind nur die Gestalten, auf die man etwa in der Berliner Straßenbahn trifft. Konfrontiert mit ihren Leidensmienen, könnte ein ortsunkundiger Fremder sich wundern, ob er denn in einem Krisengebiet gelandet ist.

Da kommt die Frage auf, ob man die Broken-Windows-Theorie auch auf Gesichter anwenden kann: Einer fängt damit an, lässt sich gehen, steckt bald den Nächsten an, dem folgen viele, und schon liegt das ganze Viertel in Scherben.

Für einige Leute gehört es ja zu den schlimmsten Verbrechen wider die Moral, wenn sich jemand für „was Besseres“ hält, anstatt Leidensgenosse zu sein. Dabei wäre dem sozialen Klima hier sehr geholfen, wenn sich mehr für „was Besseres“ halten würden – besser als ihr Job und die Heizkostenabrechnung, besser als das Wetter und die eigene Rotznase. Besser als die finsteren Mienen um einen herum.

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Das Internet vergisst nichts,

Die Retro-Kultur von Digital Natives nimmt aber manchmal auch absurde Züge an. Allein mit den Frauen, die weltweit für ihr MySpace-Profil mit Netzstrumpfhose und Prinz-Eisenherz-Pony als Bettie Page posieren, könnte man schätzungsweise eine Großstadt füllen (was immerhin ein lustiger Anblick wäre). Und die Selbststilisierung zum Factory-Model geht via Copy and Paste in den sozialen Netzwerke schneller, als dort in Pop-Art-Tagen ein Film abgedreht wurde. Andy Warhol würde heute vermutlich das Netz mit Urheberrechtsklagen überziehen.

Von den 20er‑ über die 50er‑ bis zu den 80er-Jahren: Für nahezu jedes Jahrzehnt des vorigen Jahrhunderts gibt es unzählige Facebook-Gruppen, Internetforen, Fan-Websites, Blog-Netzwerke. Leider wird dort häufig das, was an Vergangenem auch heute noch relevant und interessant sein könnte, auf eine bloße Lifestyle-Uniform zurechtgeschneidert.

Popkultur-Recycling statt Kunst der Aneignung

Wie sollte es auch anders sein? Der Fan ist schließlich Fan, weil er das, was ihn fasziniert, nicht reflektiert. Das kann man ihm meist durchgehen lassen – solange er anderen seinen Style nicht so aufdrängt, wie es bei der unerträglichen 20er-Jahre-Resteverwertung in Berlin teilweise der Fall ist. Und eine auf Soziologisch oder im Jargon der Medienpädagogik verfasste Kritik am Fantum, die die Anfeindung der Massenkultur durch die Theoretiker der Frankfurter Schule als Light-Version zitiert, darf man heute selbst schon zu den Retro-Phänomenen zählen.

Das Nachdenken über Popkultur, ihre Codes und Erregungsstrategien muss außerdem nicht allein sprachlich, mit Begriffen geschehen. Das, was an Film, Musik und Mode begeistert oder gelegentlich abstößt, kann auch durch neu arrangierte Bilder, Töne und Schnitte dargestellt und sinnlich erfahrbar gemacht werden. Viele zeitgenössische Künstler versuchen genau das durch ihre Aneignung von vorgefundenem Material zu erreichen. Viele, nicht alle. Denn manche, die sich das von Lifestyle-Publikationen in Print und online großzügig verteilte Label „Künstler“ gern gefallen lassen, verdoppeln nur die Mechanismen von Pop‑ und Retro-Recycling. Und zeigen dabei allenfalls handwerkliches Geschick.

Gigi Gaston – „Je suis perdue“

Ein aktuelles Beispiel für Copycat-Kunst, die durch diese Etikettierung aufgewertet und online vermarktet werden soll, habe ich auf dem Blog WFMU entdeckt: Der amerikanische Designer Josh Gosfield hat sich als Künstler versucht und für die Ausstellung „The Black Flower“ in der New Yorker Galerie Steven Kasher ein fiktionales It-Girl der 60er-Jahre geschaffen: den französischen Popstar Gigi Gaston. Eine tragische Lebensgeschichte mit Aufstieg, Skandalen und Absturz inklusive.

Das Musikvideo zu ihrem Song „Se suis perdue“, angeblich vom Nouvelle-Vague-Regisseur Jean-Luc Godard gefilmt, ist nett, aber natürlich ein Fake. In der Ausstellung läuft es auf einem altertümlichen Fernseher. Unter den Exponate findet sich etwa ein „Harper’s Bazaar“-Cover mit einem Porträt der Schönen, im Stil des Editorial Design der 60er gehalten – Photoshop macht’s möglich. Auch mit erfundenen Zitaten von damaligen Promis aus Boheme und Pop wie Norman Mailer, Jean Genet, John Lennon oder Serge Gainsbourg wurde die erfundene Ikone ins Zeitkolorit gekleidet. Auf YouTube kann man sogar einen Trailer für ein vermeintliches Biopic anschauen.

Der Facebook- und vor allem der Twitter-Account, die für Gigi Gaston eingerichtet wurden, erleben allerdings nicht gerade einen Massenansturm – was hoffentlich ein Indiz dafür ist, dass trotz der Kultur der Wiederverwertung im Web 2.0 die Reichweite der darauf zielenden viralen Werbung ihre Grenzen hat. Die Retro-Fans bauen sich sowieso ihre eigene, abgeschottete Welt. Um dorthinein und auf deren Posterwand zu gelangen, muss man sich schon mehr einfallen lassen als die Standards des Social-Media-Marketings.

Eine Bejahung der Medien-Macht?

Man fragt sich jedenfalls bei dieser Leistungsschau des Produkt‑ und Grafikdesigns, was der ganze Aufwand soll. Eine ernsthafte Auseinandersetzung mit den Mechanismen, die beim „Kult“ um sogenannt legendäre Gestalten wirken, ist nicht zu erkennen. Sie werden nur kopiert. Dass man die Allgemeinplätze, die die Kunstkritik gern zur Ehrenrettung solcher Darbietungen formuliert, stecken lassen sollte, meint auch Artnet-Redakteur Ben Davis. Er schreibt in einer Review der Schau:

The critical cliché closest to hand is that it „exposes the codes“ of pop culture, which won’t do – ‘60s French pop iconography is not a „code“ that particularly needs to be unmasked. And Gosfield’s exercise has a certain commercial-art flatness – it’s in love with the codes for their own sake.

Also reine Affirmation der Oberfläche, ein spaßiges Spiel mit Popzeichen, das Übliche eben, was man unter dem Stichwort postmoderne Ironie verbucht – und nichts weiter? Vielleicht doch: nämlich eine im Grunde wenig ironische Bejahung der Macht der Medien. Denn Josh Gosfield, ehemaliger Artdirektor des „New York Magazine“, führt in Form der Kunstfigur Gigi Gaston – vermutlich ungewollt – das Selbstverständnis einer Branche vor. Die Möglichkeit, einen Star aus dem Nichts zu schaffen (und nach dem Ende des Hypes dorthin zurückzuschicken), ist schließlich Geschäftsgrundlage für all die Lifestyle‑ und People-Magazine, die am Kiosk und im Netz nach Aufmerksamkeit schreien.

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Cyril E. Power: „The Merry-Go-Round“, circa 1929–1930.
Quelle: A Journey Round My Skull (cc).

Meine ersten Leseabenteuer als Kind waren ein Experiment in Selbstdisziplinierung. Alle paar Seiten gab es, das wusste ich, eine Illustration zu bewundern. Vorzublättern hatte ich mir aber selbst verboten, also musste ich mich erst brav durch Textwüsten kämpfen, bis die nächste Befriedigung auf meine Augen wartete.

Selbstdisziplin und Ausdauer beim Lesen sind bekanntermaßen nicht die Tugenden des Internetnutzers. Und so freut es mich, dass ein namenloser selbst erklärter Buchfetischist die schönsten und interessantesten Buchillustrationen und –cover aus seiner Sammlung heraussucht und in seinem Blog A Journey Round My Skull veröffentlicht.

Man sieht dort, wie Illustratoren in den vergangenen Jahrzehnten Anleihen an sämtliche Kunstrichtungen und künstlerische Techniken des 20. Jahrhunderts in das Format von Buchseiten gebracht haben: etwa Konstruktivismus, Pop-Art, Collage. Surrealistische tschechische Kinderbuch-Illustrationen fehlen dabei natürlich nicht.

Abgesehen von der Buchkunst gehören gerade die Poster von Tadanori Yokoo zu meinen Favoriten. Der japanische Grafikdesigner hat in den 70er-Jahren auch Plattencover für die Beatles und Miles Davis gestaltet.

Vorherige Blog-Empfehlung: Jihadica.

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Niedliche Gräuelbilder

Die vermummten Gestalten sind keine Unbekannten, wenn man sich für die Arbeiten des 1974 in Kanada geborenen Künstlers Marcel Dzama interessiert. Bisher gingen sie bei ihm aber eher in Tusche und Wasserfarbe ihren tänzerischen Gewaltakten nach. In dem Musikvideo für den Song „No One Does It Like You“ aus dem Album „In Ear Park“ (Rezension) von Department of Eagles stellen sie sich einer Armee von Soldaten mit seltsam überdimensionierten Derwisch-Hüten zur offenen Feldschlacht.

Als Kriegsschauplatz hat Dzama, der außerdem die Kostüme designt hat, passenderweise eine Wüste gebaut, deswegen ist die Beinbekleidung der niedlichen Todesschwadronen wohl ein wenig kürzer als üblich ausgefallen. An abgerissenen Gliedmaßen und anderen Gräuelbildern, die man aus dem Werk des Künstlers kennt, mangelt es auch in diesem Gefecht nicht – Dzama hat bei Francisco de Goyas Bilderzyklus „Die Schrecken des Krieges“ ganz genau hingeschaut. Offenbar zudem in Sam Peckinpahs „The Wild Bunch“, aus dem man die Durchschüsse in Zeitlupe wiedererkennt.

Dieser Western von 1969 markiert zusammen mit Arthur Penns „Bonnie und Clyde“, der zwei Jahre zuvor entstand, nicht nur die Öffnung der amerikanischen Filmwirtschaft für die Experimente des New Hollywood, er hat auch die Ästhetisierung von Gewaltdarstellungen, die heute Mainstream-Filme wie selbstverständlich auf die Leinwand bringen, mit in die Wege geleitet.

Schon der Anfang von Peckinpahs Film könnte Dzama gefallen: Bevor das Gemetzel beginnt, sieht man, wie Kinder Skorpione in einer Art Arena gegen Übermacht von Ameisen kämpfen lassen. Später, sie sind dieses Vergnügens wohl überdrüssig, verbrennen die kleinen Teufel ihre „Spielkameraden“ unter einem Häufchen Gras. Von wegen unschuldig.

Cross-over von Kunst und Pop am MoMA

Der Clip, den Marcel Dzama gemeinsam mit dem Musikvideo-Regisseur Patrick Daughters realisiert hat, wurde am 24. März in einer Premiere am MoMA erstmals dem Publikum präsentiert – im Rahmen der Reihe „PopRally“, die der Kooperation von Künstlern von Musikern gewidmet ist. Mit dem New Yorker Museum verbindet das Musikprojekt auch noch etwas anderes: Grizzly-Bear-Gitarrist Daniel Rossen hat nämlich seine Zweitband Department of Eagles nach der Installation „Musée de l’Art Moderne, Départment des Aigles“ (1968) des Belgiers Marcel Broodthaers benannt. Dzama wiederum bringt als Cover-Artist für Alben von Beck und The Might Be Giants seine Credentials für den Cross-over aus Kunst und Popmusik mit.

Eine Frage bleibt: Hat das Kriegsvideo zu Rossens 60er-Sound irgendeine friedensfördernde Message, die mir beim ersten Ansehen entgangen sein sollte? Vielleicht die, dass man für die Entzifferung der ganzen Popkultur‑ und Kunst-Referenzen, die in dem Projekt angelegt sind, sich so viel Hintergrundwissen zulegen muss, dass man keine Zeit mehr findet, um draußen mit den anderen Jungs Krieg zu spielen. Auch eine Form von Wehrdienstverweigerung.

Mehr zu Marcel Dzama:

• „Süddeutsche Zeitung Magazin“, 14. November 2008: „Der personifizierte Lauf der Menschheitsgeschichte“, ein eigens für die Beilage geschaffener Bilderzyklus. Das dazugehörige Interview und eine Bildergalerie auf Jetzt.de
• „Monopol Magazin“, Juli 2007: „Du bist nicht allein“, ein Porträt des Künstlers von Magdalena Kröner. PDF auf der Website der David Zwirner Gallery
• Aktuelle und vergangene Ausstellungen von Marcel Dzama bei Kunstaspekte.de

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Betrunkene Fotos von verwackelten Freunden kann man damit schießen, Highlights des Nachtlebens als Video abspeichern (“Mann, waren wir drauf …“), der Musikindustrie funky per MP3 den Todesstoß versetzen und als statistisch nivellierter Tastendrücker der Schrift die Seele austreiben. Mehr noch: Jack Bauer hat mit seinen Klingeltönen die Spitzenkräfte des internationalen Terrorismus mehr als einmal zu Tode gefoltert. Ich habe gelesen, es sei sogar möglich, mit dem Handy mittels wundersamer Technik seine Worte über die Rufweite hinaus an fremde Ohren zu tragen – als „Fernsprechapparat“ soll dies eine Weiterentwicklung der Telegrafie sein.

Und jetzt kann man mit dem Handy auch Kunst. Jackson Pollock. Der Multimedia-Künstler Miltos Maneta, der Jacksons Dripping-Maltechnik schon auf Jacksonpollock.org für Cursor-Artists als Flash-Grafik umgesetzt hat, bietet die Spielerei auf derselben Website nun als Software-Download für das iPhone an.

Damit ist der Sieg des Westens im Kulturkampf komplett. Waren doch die abstrakten Expressionisten wie Pollock unsere vom CIA gesponserte Wunderwaffe gegen die da drüben, die mausgrauen Kommunisten, noch bevor die ersten Graffiti auf der Berliner Mauer auftauchten. (Das zumindest behauptet die britische Historikerin Frances Stonor Saunders in „Wer die Zeche zahlt … Der CIA und die Kultur im Kalten Krieg“.)

Ab sofort kann man jedes Mal, wenn man am Kaffeeautomaten in der Warteschlange steht, bevor es ins Meeting geht, das iPhone zücken – um dem Sieg über die finsteren Sowjet-Herrscher mit ein paar digitalen Farbklecksen auf dem Touch-Screen ein Denkmal zu setzen. Und natürlich auch dem Individualismus schlechthin. Der besteht ja bekanntlich darin, dass man an der Kreuzung der Datenströme ein wenig interaktiv mitklickt.

Web-2.0-Offensive der Hayward Gallery im Londoner Southbank Center. Mit voller Breitseite: Facebook, Twitter, Flickr, Blog und ein YouTube-Kanal, auf dem Videos als „Trailer“ zur laufenden Ausstellung „Andy Warhol. Other Voices, Other Rooms“ zu sehen sind. Im Flickr-Account herrscht allerdings noch Leere – man kann hoffen, dass nicht allein „Dabeisein ist alles“ als Losung hinter diesen Web-Aktivitäten steht, sondern am Ende etwas Substanzielles dabei herauskommt.

YouTube-Videos als Teaser scheinen ein Trend zu sein, jetzt, da zeitgenössische Kunst zur Populärkultur geworden ist. Im Vorfeld zur Damien-Hirst-Auktion „Beautiful Inside My Head Forever“, Mitte September bei Sotheby’s, gab es auch 30-Sekunden-Spots in einem Videokanal zu bewundern, schnell geschnitten und mit Interview-Schnipsel des Künstlers unterlegt.

Ohne Interaktivität läuft nichts im Web 2.0, das hat auch die Hayward Gallery erkannt. Deswegen gibt es begleitend zur Schau einen Wettbewerb: Andy Warhol zum Selbermachen. Aus 15 Minuten Ruhm sind allerdings „15 Seconds of Fame“ für Amateure geworden, die sich via YouTube als Videokünstler verwirklichen wollen – Aufmerksamkeit ist bekanntlich eine knappe Ressource im Internet.

Von den Beiträgen, die ich dort gesehen habe, ist aber leider keiner nur eine Sekunde der Betrachtung wert.

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Gewidmet an M. wegen ihrer eigenartigen Träume von Museen mit zeitgenössischer Kunst: „Gegenwartsquatsch“.

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Sam Taylor-Wood – „Hysteria“ (1997)

Sam Taylor-Woods Video „Hysteria“ liefert eine Ton-Bild-Schere anderer Art. Man sieht das Gesicht einer Frau, einen Ausdruck unbeherrschter, exzessiver Emotionen, der vom Lachen zum verzweifelten Schreien übergeht – allerdings bleiben die Bilder stumm. Im „Selbstversuch“ als Betrachter scheinen mir die acht Minuten des Videos nahezu unerträglich zu sein, ich fühle mich körperlich angegriffen.

Das nichts mit Empathie nach herkömmlichem Verständnis zu tun. Die Frau, wahrscheinlich eine Schauspielerin, bleibt mir fremd, es kommt keine Anteilnahme auf, die Nähe zu der Unglücklichen herbeischwindelt. Die Szene ist von jeder sozialen Situation abstrahiert und in keine Filmhandlung eingebettet, die etwa einen Anlass für den Gefühlsausbruch zeigt. Das Schauspiel, das mir das Kunstvideo bietet, ist extrem, künstlich und unglaubwürdig (in Bezug auf die sozialen Codes, die in meinem alltäglichen zwischenmenschlichen Umgang „Glaubwürdigkeit“ herstellen).

Aber dennoch ereignet sich so etwas wie eine „emotionale Ansteckung“, die die Grenzen zwischen mir und dem Dargestellten durchlässig macht. Warum? Das Fehlen der Tonspur zum Affektbild erzeugt womöglich einen Drang, das Fehlende zu ergänzen.

Auf diese Weise werde ich als Betrachter involviert – in einer medialen Versuchsanordnung, die zwei Mechanismen überblendet: einen psychologischen Mechanismus, der in einer Face-to-Face-Kommunikation das Miteinander von Menschen synchronisiert, und einen der Medienrezeption, der den Konsumenten zum Koproduzenten von „Sinn“ macht (wie es beispielsweise John Fiske in seiner Medientheorie annimmt).

Die Produktivität als Medienkonsument, im Zuge der britischen Cultural Studies oft zur Strategie der Selbstermächtigung hochgelobt, wurde mir im Fall von Taylor-Woods Video zum Verhängnis. Indem ich darüber schreibe, schaffe ich mir die Bilder wieder vom Leib.

Die Künstlerin Sam Taylor-Wood, geboren 1967, war als „Young British Artist“ 1997 bei Charles Saatchis „Sensation“-Ausstellung beteiligt und wird vertreten von der Londoner Galerie White Cube.

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Dass ein Milliardenkredit aus Moskau bereits verhandelt wird, erwies sich nach einen Blick auf die neuesten Nachrichten als Fehlinformation. Dafür kam Montag für ein angeschlagenes westliches Unternehmen Hilfe aus dem Osten: Das russische Luxusunternehmen Mercury Group hat das große Auktionshaus Phillips de Pury gekauft, was zunächst als „strategische Partnerschaft“ ausgegeben wurde, schon bald aber als „Rettung in letzter Sekunde“ für das anscheinend verschuldete Traditionshaus galt.

Bereits bei dieser Meldung verfinsterten sich die Gesichter um mich herum. Dieser Umschlag! War doch Damien Hirst noch Mitte September beim Konkurrenzunternehmen Sotheby’s Werke für 140 Millionen Euro losgeworden, zufälligerweise an den Tagen, als die Katastrophenmeldungen von der Lehman-Brothers-Pleite herausgingen. „Der Finanzmarkt bricht ein, der Kunstmarkt feiert“, dichtete „Spiegel Online“ damals. Und jetzt drohen auch dort und in den angeschlossenen Medien: Kaufverzicht, vorsichtige Anzeigenkunden, sinkende Werbeeinahmen, wackelnde Jobs, die harte Tour nach dem Dotcom-Crash, an die sich mancher Journalist noch gut erinnern kann.

Eines der Hirst-Werke, die bei der Auktion zu Verkauf standen, war „The Golden Calf“, angelehnt an die „Bibel“-Erzählung vom Götzenbild, um das die Israeliten tanzten, während Moses die Gesetzestafeln mit den Zehn Geboten entgegennahm – bewährtes Sinnbild für gottlose Gier nach Reichtum. „Subversiv“, beurteilten manche Kommentatoren die Namensgebung durch den Künstler, weil er angeblich dadurch frech die Marktkräfte bloßgestellt hatte, denen er sein Vermögen verdankt.

Vielleicht hatte Hirst mit der Referenz auf das Goldene Kalb der Hebräer wirklich den richtigen Riecher, allerdings anders als vermutlich beabsichtigt. Das Kunstwerk, ein in Formaldehyd eingelegter Bulle, dessen Hufe und Hörner durch Nachbildungen aus Gold ersetzt wurden, lässt an das Tauschangebot Fleisch gegen Geld von Shylock denken, einer Figur aus „Der Kaufmann von Venedig“, mit der Shakespeare den „Wucherjuden“, Inbegriff des christlichen Antijudaismus, auf die Bühne brachte.

Die amerikanische Organisatiom Anti-Defamation League berichtete vor Kurzem von einer Welle judenfeindlicher Statements in Onlineforen zur Krise auf den Finanzmärkten.

Hundreds of anti-Semitic posts regarding Lehman Brothers and other institutions affected by the subprime mortgage crisis have been submitted to discussion boards dealing with finance, with many more arriving by the minute. The messages rail against Jews in general, with some charging that Jews control the government and finance as part of a „Jew world order“ and therefore are to blame for the economic turmoil.

Das bringt ebenfalls Erinnerungen hoch: an die Tage nach dem 11. September 2001, als auch im Westen sogenannte Querdenker in Scharen ins Lager des Dschihad gewechselt waren. Nichts Neues: In wirtschaftlichen und politischen Krisenzeiten gibt es schließlich immer eine gegenläufige Hochkonjunktur zu vermelden – einen Boom antisemitischer Verschwörungstheorien. Da wird dann die „Israelkritik“ am „Rambo-Juden“ (Daniel Jonah Goldhagen) rasch ergänzt durch Zerrbilder aus der christlichen Tradition. Und durch das Phantasma von der „jüdischen Weltverschwörung“, die als konkrete, mit böswilligen Personen besetzte Steuerungszentrale hinter dem abstrakten System des Kapitalismus imaginiert wird.

Die größte und effektivste Propagandaabteilung für diese Wahnidee hatten bekanntlich die Nationalsozialisten. Dass auch in der Gegenüberstellung von spekulativem und produktivem Kapital des vulgären Antikapitalismus nationalistisch gesinnter Linker die vom „raffenden“ und „schaffenden“ Kapital aus dem Parteiprogramm der NSDAP wiederkehrt, sollte sich aber seit der „Heuschreckendebatte“ 2005 herumgesprochen haben.

Eine Erkenntnis, die bei vielen Zeitgenossen noch aussteht: Angesichts des weiterhin grassierenden Antisemitismus bleibt Israel als Zufluchtsstätte für bedrohte und verfolgte Juden gar nichts anderes übrig, als seine Politik der Stärke fortzusetzen. Wenn schon Zerrbildern nicht auszuweichen ist, dann ist Rambo dem Shylock vorzuziehen.

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