Wer sich immer schon dringlich die Frage gestellt hat, was seine Hände für sein Land tun können, dem gibt das US-Militär eine griffige Antwort: „Hands“, ein Propaganda-Film aus dem Jahr 1944, überzeugt mit der Message, dass Finger nicht nur über die Tasten eines Klaviers tanzen können; sie können auch in der Kriegsproduktion tüchtig zupacken und, zur Faust geballt, den Nazis und Japanern zeigen, was Sache ist: „Let’s finish the job!“

Der U.S. Army Pictorial Service, der im Abspann genannt wird, hat während des Zweiten Weltkriegs Hunderte solcher Filme produziert. „Hands“ ist aber der eigenartigste, den ich bisher davon zu sehen bekam. Zielpublikum war nicht die breite Öffentlichkeit in den USA, sondern amerikanische und alliierte Soldaten, die auf ihren Einsatz vorbereitet wurden; „orientation“ nannte sich das. Die Bilder von abgerissenen Gliedmaßen und Verwundeten, mit denen „Hands“ den Zuschauer konfrontiert, hätte man wohl nicht Zivilisten vorgeführt.

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Auf eine Anekdote aus seiner Biografie stößt man in fast jedem Artikel über Don McCullin: 1958 fotografierte der 1935 geborene Brite die Londoner Straßengang The Guv’nors, der einige seiner Schulfreunde angehörten. Nachdem einer der Jungs wegen Mordes an einem Polizisten zum Tode verurteilt und hingerichtet worden war, erkannte McCullin die Gelegenheit und verkaufte das Bild an den „Observer“ – seine erste Veröffentlichung in einer Zeitung. Ein Akt der Gewalt und dessen Vergeltung wurden für ihn zum Sprungbrett in eine Karriere, die ihn zu einigen der brutalsten Konflikte der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts führen sollte.

Von 1966 bis Anfang der 80er-Jahre war er im Dienst der „The Sunday Times“ von einem Krisen‑ und Kriegsgebiet zum nächsten unterwegs. Die im YouTube-Kanal des „Economist“ präsentierte Audio-Slideshow zeigt Fotografien, die McCullin während der Hungersnot Ende der 60er in Biafra geschossen hat, vom Krieg in Vietnam und von einer gefährlichen Begegnung mit christlichen Milizen in Beirut. Die Bilder illustrieren seine Erzählung von dem Wandel, den er als Kriegsfotograf durchgemacht habe: weg von der Haltung, Extremsituationen existenzialistisch als Chance für Selbsterfahrung zu verstehen, hin zu dem Anliegen, andere Menschen in ihrem Leid zu porträtieren.

Anlass der Video-Präsentation ist die die große Don-McCullin-Retrospektive „Shaped by War“, die derzeit im Imperial War Museum North in Manchester läuft (bis 13. Juni). In Berlin sind ebenfalls Bilder des Fotografen zu sehen: „The Impossible Peace – Retrospektive, 1958–2008“, C/O Berlin im Postfuhramt, bis 28. Februar.

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Ein Kamera-Tragesystem, das einem Waffen-Holster nachempfunden ist: praktisch, um die Ausrüstung griffbereit zu halten, wenn es hoch hergeht. Beim Posen damit können allerdings schon mal die Assoziationen außer Kontrolle geraten, wie dieser zackige Sportschütze, der auch Mitglied der amerikanischen National Rifle Association (NRA) ist, bei einem Produkttest vorführt. Erst schießen, dann schießen: Hoffentlich verwechselt er, gestresst vom Multitasking, nicht die Reihenfolge.

Aber es gibt tatsächlich Querschläger im Feld der Sprache: Vermutlich leitet sich der Begriff Schnappschuss in der Fotografie vom Schusswaffengebrauch ab. „A snap shot is a shot that is aimed and fired very quickly at a target that appears suddenly and for a very short period of time“, heißt es in der englischen Wikipedia zur ursprünglichen Bedeutung des Ausdrucks.

Via Photography Prison.

Modefotografie ist Jazz, Kriegsfotografie Gabber-Techno. Den Break, bevor die Beats per Minute zu rasen beginnen und Gräuelbilder aufblitzen wie die Dämonenfratze in William Friedkins „Exorzist“, markiert eine Scheidung. O-Ton Stanley Greene, Fotograf, dem Ende der 80er-Jahre die Frau weglief: „Instead of becoming an alcoholic, I would go and shoot war.“ So gesehen im Video-Trailer für seine Biografie „Black Passport“. Eine Karriere, heruntergekürzt auf Klischees?

Leben und Werk des 1949 in Harlem, New York, geborenen Stanley Greene waren mir bisher nicht bekannt. In den 60er-Jahren, heißt es auf seiner Website, war er Mitglied der Black Panthers und engagierte sich gegen den Vietnamkrieg, nach dem Studium der Fotografie schoss er Bilder von Bands und von Mode in Paris. Seine Einsatzgebiete in den 90er-Jahren lesen sich wie ein Index der Vernichtung in diesem Jahrzehnt: Moskau zur Zeit des Putsches, Bergkarabach, Ruanda, Somalia, Tschetschenien, Libanon, Irak.

Von Greenes Scheidung liest man in den kurz angerissenen Biografien, die im Netz verstreut sind, nichts. Das persönliche Trauma, das als Missing Link des Themenwechsels von Lifestyle zu Krieg dienen muss, war wohl dem Buch-Marketing vorbehalten.

Das ist nichts Neues: Evan Wright etwa, der als Embedded Journalist zu Beginn des Irakkriegs 2003 Marines auf dem Weg nach Bagdad begleitete und durch seine „Rolling Stones“-Reportage „The Killer Elite“ bekannt wurde (später zum Buch „Generation Kill“ erweitert und als HBO-Miniserie verfilmt) versäumte keine Gelegenheit, bei laufenden Kameras seine Drogen‑ und Alkoholprobleme zu erwähnen (zum Beispiel im CNN-Interview).

Via MediaStorm.

Männerschicksale: Da, wo der Dead End Boy am einsamsten ist, aus der Gesellschaft zu fallen droht, erreicht er den größten Grad an Allgemeinheit, kleidet sich in abgewetzte Rollen, Klischees flackern wie Stroboskoplicht auf seinem Körper, den er auf althergebrachte Weise missbraucht. Die Selbsttäuschung ist nicht leicht zu erkennen, denn die Schäden, die der Alkohol hinterlässt, sind echt. Das sind auch die Toten, die im Kriegsgebiet seiner Kamera ausgeliefert sind oder sich in Buchstaben verwandeln.

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Der Kriegsfotograf James Nachtwey hat in diesem Jahr Afghanistan besucht. In dem Video „Afghanistan: sorrow beyond words“ ist als Audio-Slideshow eine Auswahl von Fotografien zu sehen, die er dort im Auftrag des International Committee of the Red Cross (ICRC) geschossen hat. Darunter: Bilder von Insassen des berüchtigten Gefängnisses Pul-i-Chakri, von Geisteskranken in einer Anstalt und Verletzten (Kriegsopfern?), die in einem Rehazentrum des Roten Kreuzes behandelt werden.

Am Gefängnis Pul-i-Chakri, östlich der Hauptstadt Kabul gelegen, lässt sich die Geschichte des Landes in den vergangenen drei Jahrzehnten ablesen. Geöffnet wurde es nach der Machtübernahme der Kommunisten 1978. Tausende von politischen Gefangenen wurde dort festgehalten und ermordet. In den 90er-Jahren fanden auch die Taliban Verwendung für den Komplex. Unter ihrer Herrschaft wurden in der Haftanstalt etwa Männer eingesperrt, deren Bart nicht den Vorschriften der Islamisten entsprach, wie die „New York Times“ 1998 leicht amüsiert berichtete. Nach dem nächsten Machtwechsel in Afghanistan waren es die Taliban selbst, die in Pul-i-Chakri landeten. 2007 diente das Gefängnis als Hinrichtungsstätte nach Wiedereinführung der Todesstrafe. Die Todeskandidaten hatte laut SpOn Präsident Hamid Karsai persönlich ausgesucht.

Pul-i-Chakri ist wahrlich keine Filiale des „Prison Entertainment Complex“.

Via André Marty.

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Wir sehen: ein mit Einschusslöchern übersätes, ärmliches Gebäude in einer Wüstengegend, dahinter steigt eine Rauchsäule in den Himmel. Eine einfache Zeichnung an der Wand (Werk eines Kindes?) zeigt ein Flugzeug über brennenden Häusern. Wir hören: zunächst die Stimme einer Frau aus dem Off, sie scheint in einer fremden Sprache zu klagen, dann stoßweise Stöhnen, das rhythmisch in einen Laut der Qual übergeht. Schüsse klingen in der Ferne.

Inserts im Video geben über Folgendes Auskunft:

1. One of our doctors is treating a 5-year-old boy.
2. Militia have just raped his two sisters.
3. Then clubbed his parents to death.
4. We can’t operate without your help.
5. Visit msf.org.uk

Es ist ein Spot, den die Hilfsorganisation Médecins Sans Frontières (deutsche Sektion: Ärzte ohne Grenzen, deren YouTube-Kanal) in britischen Kinos geschaltet hat.

Irgendwo, irgendwann in Afrika: Wo bleiben die Fakten?

Aber was geht hier vor? Wo genau wurden die Bilder aufgenommen? Wann ist das passiert? Wer ist der Junge, der von den Ärzten operiert wird, wer die Miliz, die seine Eltern ermordet hat? Wurden die Geräusche an diesem Ort aufgezeichnet, oder wurden Tonspur und Bild erst beim Schnitt zusammengesetzt? Das sind sind Fragen, die man als Fernsehzuschauer an einen Beitrag in den Nachrichten stellt und die in diesem idealerweise beantwortet werden. Doch die NGO will nicht informieren, sie will zum Spenden auffordern.

Die NGO äußert sich folgendermaßen zur Auslassung von Fakten und des Kontexts im Werbespot:

We have deliberately left the child nameless and not identified the country in order to protect his identity and to encourage viewers to realise that violence of this sort occurs beyond just the borders of a single country.

Die Aufnahmen des MSF-Spots wurden in Afrika gedreht, so viel habe ich herausgefunden. Afrika, daran erinnern uns die Medien, ist: Flüchtlingskinder mit vom Hunger aufgeblähten Bäuchen, die flehend in die Kamera des westlichen Beobachters starren. Andere Kinder mit AK-47 im Anschlag, die von Unrechtsregimen und von Rebellenbewegungen, deren Namen man sich kaum merken kann, unter Drogen gesetzt und zu Killern trainiert werden. Überall: Krieg, Flüchtlingsströme, Aids, Hunger, Rückständigkeit. Und wenig sonst (außer ein bisschen Folklore vielleicht). Ein ganzer Kontinent nackt, hilflos, auf der Intensivstation (solange das Geld fließt, das die Geräte am Laufen hält).

Man versteht, dass manche Afrikaner die Gleichsetzung ihres Erdteils mit Armut und die Vernachlässigung guter Nachrichten in westlichen Medien wenig hilfreich finden (siehe Kommentar unten).

Doch Hilfe für Notleidende ist ein hart umkämpfter und milliardenschwerer weltweiter Markt. Unzählige Organisationen und Vereine konkurrieren untereinander. Zum Ringen um das Spendengeld gehören – natürlich – Pressearbeit und PR. Und die PR-Abteilungen arbeiten an neuen Darstellungsstrategien für die Repräsentation menschlichen Leids.

Erzeugen Horror-Bilder aus Afrika Empathie?

Die bekannten Bilder des Elends stumpfen allerdings ab, das weiß man auch bei Médecins Sans Frontières. Die neue Werbekampagne, produziert von der britischen Werbeagentur McCann Erickson, sei:

our attempt to make a deliberate move away from some traditional charity advertising which can tend to focus on images of starving children

Das ist den Machern gelungen: Das namenlose und ortlose Grauen im MSF-Spot ist der Fantasie des Zuschauers überlassen, dieser muss die Szene in seiner Vorstellung realisieren. Der Film wirkt deswegen so verstörend. Und so manipulativ. Es ist eine Strategie des klassischen Horrorfilms.

Erzeugt man so Empathie beim Zuschauer? Oder geht diese Manipulation der Gefühle zu weit – weil sie ihm nur seine Hilflosigkeit angesichts der Gewalt und des Elends deutlicher macht?

Gut an dieser Kampagne ist allerdings, dass die Hilfsorganisation zu Reaktionen auf den Kinospot auffordert. Auch im Web 2.0: Pete Masters, ein Mitarbeiter der Ärzte ohne Grenzen, stellt sich etwa in dem Blog Duckrabbit einer Online-Debatte. Wer mag, kann dort seine Kritik äußern, Englischkenntnisse vorausgesetzt.

(via Prison Photography)

Nachtrag, 8. November 2009: In dem Fotoblog Black Star Rising fordert Paul Melcher: „Please, no more pictures of dying Africans“. Nur mehr Elendsbilder würde man aus Afrika zu sehen bekommen. Ein Grund dafür sei, dass Fotojournalismus auf dem Kontinent zunehmend von NGOs abhänge und nicht mehr von der Presse.

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It’s only Rock and Roll … und die Umrisse verschwinden: Eine Feldhaubitze der Nationalgarde von
Oregon wird bei einer Übung abgefeuert. Eine fetzige pyrotechnische Bühnenshow. Foto: Army.mil (cc).

Sammus Theory ist eine Alternative-Metal-Band aus Phoenix, Arizona, die vergangenes Jahr vom amerikanischen MTV ein wenig gepusht wurde. Sam Hughes, der Sänger, erklärt im Interview die „Theorie“, die hinter dem eigenartigen Namen der Gruppe stecke. Es sei …

… basically the idea that everyone has an alter ego that music brings out whether it’s metal, country, blues, etc. The most normal every day people have a crazy side that music will always surface.

Es gibt noch andere Methoden, die „verrückte Seite“ aus dem Durchschnittsmenschen herauszukitzeln. Etwa wenn man ihm eine Waffe in die Hand gibt und ihn in ein Kriegsgebiet schickt, in einen Ausnahmezustand, wo ihm Kugeln um die Ohren pfeifen und die Gesetze seines Alltags außer Kraft gesetzt sind.

„Support our troops“, den Slogan, den in den USA aus Gründen des Patriotismus auch manche Irakkrieg-Gegner proklamieren, haben Sammus Theory umgesetzt, indem sie für Truppenunterhaltung sorgten. Bei einer Militärübung des 41 Brigade Combat Team spielten sie im August 2008 ein Konzert – kurz bevor die Einheit der Nationalgarde von Oregon zum Einsatz in den Irak verlegt wurde.

Sammus Theory – „See It Through“ (Musikvideo)

Für das Musikvideo wurden Aufnahmen von der Übung in Gowen Field, Idaho, mit Bildern vom Rockkonzert zusammengeschnitten. Es ist seltsam, die Soldaten in Uniform beim Headbangen und Stage-Diving zu sehen.

Ein Kommentator des YouTube-Videos, offenbar ein US-Soldat, der seine Zeit in Irak schon hinter sich hat, spürt die Vorfreude, die in dieser Montage von Krieg und Rock and Roll steckt. Aber er meint:

there is no more kicking doors down anymore … most likely you will spend most of your time in the FOB doing dumb things …

FOB ist die Abkürzung für Forward operating base, eine geschützte Militärbasis im Einsatzgebiet – der Kommentarschreiber bereitet die Nationalgardisten also auf eine Enttäuschung vor: langweiliges Lagerleben erwarte sie und keine berauschende Grenzüberschreitung in der Moshpit Irak.

Der Song „See It Through“ sei wie das ganze gleichnamige Album Resultat einer Trauma-Bewältigung, sagt Sänger Sam Hughes im Interview. 2005 habe er einen Autounfall knapp überlebt. Die Musik sei seine Weise, mit den Nachwirkungen umzugehen.

Trauma truly brings out the power in a person’s mind and it’s very difficult to push thoughts and feelings aside and function „normally“ again.

Es ist zu befürchten, dass die vielen US-Soldaten, die mit psychischen Schäden aus dem Irak zurückkamen und –kommen, diese nicht als Kraftquelle empfinden und keine produktive Verarbeitung ihres Traumas finden werden.

Mehr zur Überblendung von Krieg, Medien und Popkultur in der Kategorie: Medienkrieg.

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Eine Fotografie mit Schockwirkung

Am 30. Januar 1968 starteten Verbände der nordvietnamesischen Armee und Vietcong-Guerillaeinheiten einen Überraschungsangriff auf mehr als 100 Städte im Süden Vietnams. Die sogenannte Tet-Offensive kostete die Angreifer zwar beträchtliche Verluste, brachte aber einen Propaganda-Erfolg – der kommunistische Norden machte deutlich, dass er trotz Jahren des Krieges noch nicht gebrochen war. Und die TV-Bilder vom Kampf um die US-Botschaft in Saigon ließen bei den Zuschauern in den USA die Frage aufkommen, wie viel Kontrolle General Westmoreland, damals Oberbefehlshaber der US-Truppen in Vietnam, eigentlich noch über den Fortgang des Krieges hatte (CBS-Nachrichtenbilder aus Saigon auf YouTube).

Ebenfalls Schockwirkung erzielte eine Fotografie, die zwei Tage nach Beginn in der umkämpften südvietnamesischen Hauptstadt entstanden war. Es dürfte kaum jemand geben, der sie nicht kennt: Sie zeigt, wie der südvietnamesische General Nguyen Ngoc Loan, zu dieser Zeit Polizeichef von Saigon, auf offener Straße den Kriegsgefangenen Nguyen Van Lem hinrichtet. Dieser war angeblich als Vietcong-Kämpfer an der Ermordung von Polizisten und ihren Familienangehörigen beteiligt gewesen. (Im Fotoblog Iconic Photos finden sich eine Reproduktion der Aufnahme und weitere Informationen dazu.)

„Some of those who knew him said General Loan would not have carried out the prisoner execution if reporters and photographers had not been at the scene“, heißt es im Nachruf in der „New York Times“ auf Loan, der 1998 an Krebs starb. Unter den anwesenden Presseleute waren der NBC-Kameramann Vo Suu, der die Tat filmte, und der AP-Fotograf Eddie Adams (1933–2004), der das berühmte Bild davon schoss. Das Foto und die Filmaufnahmen sind als „Ikonen“ ins globale Bildarchiv eingegangen, stellvertretend stehen sie für den Exzess an Gewalt während des Vietnamkrieges.

Gebrandmarkt als Kriegsverbrecher

Mit der Kamera den Augenblick des Todes festzuhalten: ein preiswürdiger Glücksfall beim Fotojournalismus in Krisengebieten. Für Adams bedeutete die Fotografie dann auch einen Karrieresprung. Noch im selben Jahr wurde das Bild von der World Press Photo Foundation in Amsterdam als Pressefoto des Jahres ausgezeichnet, ein Jahr später erhielt der Kriegsfotograf dafür den Pulitzer-Preis für „Spot News Photography“. Dennoch war Adams zeitlebens nicht glücklich mit den Nachwirkungen, die das Bild auf das Leben des Polizeichefs hatte. „The general killed the Viet Cong; I killed the general with my camera“, schrieb er 1998 im „Time Magazine“.

Nguyen Ngoc Loan konnte tatsächlich nie mehr aus dem Schatten des Fotos treten, das ihn als Kriegsverbrecher brandmarkte. Nach dem Krieg, in dem er sich eine schwere Verletzung zugezogen hatte, versuchte er einen Neustart als Einwanderer in den USA und eröffnete eine Pizzeria in Virginia. Anfang der 90er-Jahre wurde allerdings bekannt, wer Chef des Restaurants war. Die Gäste blieben daraufhin aus. Adams selbst, der den Exgeneral dort besucht hatte, berichtete von einem Spruch, den jemand an die Toilettenwand gekritzelt hatte: „We know who you are, fucker.“

„An Unlikely Weapon. The Eddie Adams Story“ (Trailer)

In den USA ist Ende Juli eine Dokumentation über die „Eddie Adams Story“ (Trailer) in den Kinos angelaufen. Als Sprecher von „An Unlikely Weapon“ (IMDb), so der Titel des Dokumentarfilms von Susan Morgan Cooper, wurde Kiefer Sutherland gewonnen, ironischerweise der Schauspieler, der in seiner Rolle als Jack Bauer in der Serie „24“ irreguläre Kriegsführung und Folter im Kampf gegen den Terror zum Teil der TV-Abendunterhaltung gemacht hat.

„Political Affairs“, das Magazin der Communist Party of the United States of America (CPUSA), findet in einer Filmkritik lobende Worte für das Biopic über Eddie Adams (der durfte ja auch Kubas Diktator Fidel Castro zur Entenjagd begleiten). Die Rezension berichtet außerdem von einer Anekdote über eine mir bisher unbekannte Nachwirkung des „Saigon Execution“-Fotos:

Adams … reported how renowned filmmaker Michael Cimino took a copy of his now infamous photo, folding it, and placing it in his back pocket. He kept it there for a full year. He used that photo as the centerpiece of his film „The Deer Hunter“. In a highly dramatic scene, Christopher Walken plays „Russian Roulette“ in a disturbing parallel to that photo. That scene, Adams said, still haunted him long after; it was the only film about that war and its aftermath Adams said he ever saw.

Interessant, wie das Bild vom Kopfschuss zur Kopfgeburt des Kriegsfilms „Die durch die Hölle gehen“ (1978) führen konnte, der den Krieg in Südostasien als inneramerikanische Angelegenheit inszeniert. Man könnte „Bang!“ (2002), eine Skulptur der chinesischen Künstlerin Xiang Jing, die zwei asiatische Schaufensterpuppen zeigt, die in westlicher Freizeitkleidung die Hinrichtungsszene nachstellen, als Kommentar dazu verstehen.

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Im Fotoblog Conscientious kann man eine Auswahl der Fotografien mit der jeweils dazugehörigen Notiz aus der Stasi-Akte betrachten. Außerdem läuft auf dem Filmfestival „achtung berlin – new berlin film award“ diese Woche ein kurzer Dokumentarfilm über Hauswalds Arbeiten und die Reaktionen der „Fotokritiker“ beim MfS. Der Titel: „Radfahrer“ – unter diesem Decknamen landete der Fall des des „Staatsfeinds“ Hauswald zwischen den Aktendeckeln in Erich Mielkes Behörde.

Werner Herzog, noch jünger, wohl Ende 30, steht im südamerikanischen Dschungel während der Dreharbeiten zu „Fitzcarraldo“ (1982) und formuliert seine Eindrücke von Natur als kollektivem Mord. Elend, Verfall, Zerstörung: Die Vögel singen hier nicht, sie kreischen vor Schmerzen, sagt der Regisseur. Man sieht ihm die Empörung an.

Taking a close look at what’s around us, there is some sort of a harmony. It is the harmony of overwhelming and collective murder. And we, in comparison to the articulate vileness and baseness and obscenity of all this jungle, we in comparison to this enormous articulation, we sound and look like badly pronounced and half-finished sentences out of a stupid suburban novel …

Nur wenn sie ihren zugedachten Zweck nicht erfüllen, tritt Schrift als Schrift in Erscheinung, wird Sprache selbst hörbar …

Eindeutigkeit einer Sprache der Gewalt

„Das ist das“, sagt Michael Vronsky, der von Robert De Niro gespielte Charakter in „Die durch die Hölle gehen“ (“The Deer Hunter“, USA 1978), als er zum Gewehr greift, mit dem er beim Jagdausflug einen Hirschen erlegen wird. „Das ist das“ meint: Diese Handlung, das Erschießen eines Hirschen mit einem Gewehr, bedeutet genau das – das Töten eines Tiers mit einer Waffe.

In der freien Natur, fern der Zivilisation und ihrer sozialen Komplexität, ihrer Missverständnisse und Mehrdeutigkeiten findet dieser Mann zu einer eindeutigen Sprache zurück. (Später, nach den grauenhaften Erlebnissen in Vietnam, wird dem Veteran Vronsky dieses elementare Verhältnis von Sprache, Handeln und Umgebung entgleiten … unter anderem darin liegt die Katastrophe des Vietnamkriegs, die Michael Ciminos sogenannter Antikriegsfilm präsentiert: die Unmittelbarkeit der Erfahrungen des Mannes in der Wildnis ist verloren gegangen, die Regeneration durch Gewalt, zentrales Motiv des amerikanischen Frontier-Mythos, funktioniert nicht mehr. Dafür darf der Hirsch am Leben bleiben.)

Menschenopfer fürs TV-Abendprogramm

Ein nächtlicher Anruf vor ein paar Jahren: X, ich hatte sie gerade kennengelernt, meldete sich von Drehaufnahmen aus Frankreich, etwas Schreckliches sei passiert. Bei Nachtaufnahmen für einen Liebesfilm fürs TV-Abendprogramm war der Lkw mit dem Kameramann mit einem Pkw zusammengestoßen. Die Fahrerin starb bei dem Unfall, ihre Kinder, die im Auto saßen, überlebten. X war aufgelöst: Wegen eines miesen Films musste jemand sterben. Ich war nicht einverstanden mit dem, was ich da heraushörte. Denn sollte das umgekehrt heißen, ein guter Film sei Menschenopfer wert?

Ich musste dabei an „Fitzcarraldo“ denken. „Das ist das“, in diesen Worten des Deer Hunters liegt auch der Wunsch des Werner-Herzog-Publikums, dass man Filmbilder gegen echte Erfahrungen eintauschen kann. Obsessiv sei der Regisseur, heißt es, er schone weder Mensch noch Material, am wenigsten sich selbst. Die Geschichten über Kinskis legendäre Wutanfälle, die Indianer, die während des Drehs den Schauspieler töten wollten, die Verletzten, der Verlust an Menschenleben, all diese Anekdoten addieren sich für Fans zum Filmerlebnis, sie erweitern den Text.

Doch wer hat nun die Darsteller im Dschungel umgebracht? Eine mörderische Natur, von der Herzog erzählt? Oder tödliche Filmaufnahmen? Löst sich die Schuldfrage auf, wenn man beides, Naturerlebnis und Filmproduktion, nur möglichst nah zusammenführt?

„Rescue Dawn“: Eine wahre Geschichte

Eine „wahre Geschichte“, in vielerlei Hinsicht: „Rescue Dawn“ (2006), Herzogs Vietnamkriegsfilm über die Flucht des deutschstämmigen Kampfpiloten Dieter Dengler aus dem Gefangenenlager in Laos, kommt ebenfalls fast ohne CGI aus. Aber nicht ohne die Berichte vom Survival-Training der Crew im thailändischen Dschungelcamp. „Männer, ich verlange Unerträgliches von euch“, glaubt man den Regisseur als Guerilla-Kommandaten rufen zu hören, „aber nichts, was ich nicht selbst tun würde!“ Und das tat er auch. Herzog hat mitgehungert, er stieg mit Christian Bale und Steve Zahn in Blutegel-Flüsse, er legte selbst Hand an, um die Parasiten auf den Körpern der Schauspielern anzubringen. (Die verlinkten Flickr-Fotos wurden von einem Mitglied des Teams geschossen.)

Im Making-of des Films, das sich auf der DVD befindet, kann man Christian Bale dabei zusehen, wie er versucht, der Tortur der Filmaufnahmen etwas Postives abzugewinnen. „Werner? Er ist ist großartig. Trailer als Unterkünfte? Gab’s nicht, wir schliefen im Dschungel, ich musste Würmer essen, in eine lebende Schlange beißen, alles echt. Werner: ein Supertyp!“ (Aus der Erinnerung zitiert, aber sinngemäß.) Der britische Hollywoodstar im Dschungel – ohne Limousine, Luxushotel, Catering –, auch darin liegt eine Gratifikation für den Zuschauer. Denn: Wer richtig arbeitet, macht sich schmutzig.

„Rescue Dawn“ ist ein wunderschöner, ein guter Film.

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